Pour cette session de l'Institut d'été, Kraus dirigera un groupe de participants dans une conversation fondée sur l'écriture qui s'étendra du travail continu de chacun à la ville de Winnipeg. Les activités comprendront probablement la production d'une courte vidéo, un cours de danse / mouvement, des promenades en ville et des projections et des conférences pour les invités.

En tant que rassemblement d'étrangers relatifs, les participants produiront un travail individuel influencé par la proximité de l'autre. L'atelier est ouvert aux artistes plasticiens de toutes sortes ainsi qu'aux écrivains, critiques et universitaires.

Corps enseignant

Ecrivains Natasha Stagg ainsi que Robert Dewhurst se joindra à la session. Natasha Stagg était rédactrice en chef du V Magazine et a notamment publié Etudesun roman avec Semiotext (e) en mars 2016. Elle a écrit pour Texte Zur Kunst, Dis Magazine et Kaleidoscope. Elle a obtenu sa maîtrise en beaux-arts de l'Université de l'Arizona. Robert Dewhurst est actuellement basé à Los Angles, après avoir obtenu son doctorat de SUNY Buffalo en anglais. Il est poète et éditeur du chapbook Scary Topiary Press et était l'éditeur du Wild Orchids Journal.

Chris KrausLes publications, louées pour leur intelligence, leur vulnérabilité et leur voracité, comprennent: J'aime Dick, Torpor, Aliens ainsi que Anorexie, Summer of Hate, Where Art Belongs, Video Green: Los Angeles Art and the Triumph of Nothingnesset Magasin Kelly Lake. Sa monographie, «Lost Properties», a été écrite dans le cadre de la série de brochures de Semiotexte pour la Biennale de Whitney 2014. Kraus est codirectrice de la célèbre presse Semiotext (e), où elle a lancé en 1990 l'empreinte Native Agents, qui a introduit des formes radicales d'écriture par des femmes écrivains. Native Agents a publié les travaux d'écrivains influents tels que Penny Arcade, Fanny Howe, Ann Rower et Eileen Myles. Elle enseigne dans le programme d'études sur les médias à l'European Graduate School.

Participants

Kristina Banera est un artiste interdisciplinaire émergent de Lockport, au Manitoba, qui vit maintenant à Winnipeg, au Manitoba. Son travail intègre souvent la sculpture et les médias numériques pour explorer la psychologie de l'espace, de la maison et des interrelations qui la constituent. Elle a obtenu son baccalauréat spécialisé en beaux-arts à l'Université du Manitoba, avec une concentration en art studio. Banera a été exposée à l'échelle nationale dans des galeries, des centres d'artistes autogérés et des espaces alternatifs. Plus récemment, elle a participé à J'essayais de te décrire à quelqu'un (2015) // Anticiper la distance (2015), un projet d'échange de conservation basé sur la correspondance entre deux groupes d'artistes à Vancouver et à Winnipeg. Dans Anticiper la distance à Avenue Gallery à Vancouver, BC, Banera a présenté le travail Où allons-nous partir d'ici? (2015) dans lequel une vidéo emmène le spectateur à travers un paysage virtuel, tout en sondant le dialogue avec un casque. Banera a été présenté dans des expositions de groupe, notamment: Exposition (Platform Center for Photographic + Digital Ats, Winnipeg), COMPLET (One Night Stand / Southern Alberta Art Gallery, Lethbridge), JUNKHAUS 1: Sublimes consommateurs minimalistes (Junkhaus) (Centre des médias, Winnipeg), ARRIÈRE-COUR (Espace C, Winnipeg).

Fabiola Carranza 
né en 1983) est un artiste visuel costaricien / canadien vivant dans le sud de la Californie. Carranza est titulaire d'un MFA de l'Université de la Colombie-Britannique et d'un BFA de l'Université Emily Carr. Les expositions personnelles remarquables comprennent: Aedes hallucine dans la jungle (Malaspina Printmakers, Vancouver, 2016) et L'habitude des estrofas (Despacio, San José, 2011). Carranza a participé à des expositions de groupe à la National Gallery of Costa Rica, 221A, Contemporary Art Gallery, Artspeak Gallery et Access Gallery à Vancouver. Sa première commande d'art public, Sept signes, était à l'affiche au Waterfront Park de Seattle l'été dernier.

Megan Hill-Carroll est un artiste vivant et travaillant à Vancouver, au Canada. Elle est titulaire d'un MFA de l'Université de Californie à Los Angeles et d'un BFA de l'Université du Manitoba à Winnipeg, où elle a grandi en construisant des maisons. Elle a été la lauréate du prix commémoratif Barbara Spohr 2010. Son travail a été exposé à Los Angeles et partout au Canada et est apparu dans le dernier numéro de la publication photographique Capricious. Elle a donné des conférences à Detroit et à Birmingham, en Alabama. Ses écrits ont été publiés dans le magazine d'art contemporain Fillip. Elle est représentée par Wil Aballe Art Projects à Vancouver où son exposition solo MunitionMonument a été montée à l'été 2015. Sa deuxième exposition personnelle Puce verte était récemment exposée à Winnipeg au Platform Center for Digital and Photographic Art; du 7 janvier au 18 février 2017.

Daniel Coussi est un écrivain / musicien de la côte ouest qui a déménagé au centre géographique de l'Amérique du Nord. Son écriture est centrée sur la musique contemporaine et les musiciens. Sa musique sillonne les champs qui se situent à l'extrémité négative du spectre émotionnel. Daniel termine sa maîtrise en études culturelles de l'Université de Winnipeg à l'été 2017.

Corbeau de Roewan
L'artiste et écrivain multidisciplinaire Roewan Crowe est dynamisé par des actes de perturbation, de transformation radicale et le déploiement tactique de l'autoréflexivité. Née sous le grand ciel de la Saskatchewan et élevée en Alberta, Crowe a quitté les Prairies pour approfondir ses engagements avec l'art et le féminisme et pour faire des études supérieures à l'Institut d'études pédagogiques de l'Ontario de l'Université de Toronto. Un retour dans les Prairies a inspiré l'art et l'écriture centrés sur les pratiques de récupération féministes queer. Le poste rémunéré de Crowe: professeur agrégé et directeur du département des études sur les femmes et le genre à l'Université de Winnipeg.

Erica Éryes 
Originaire de Winnipeg, Erica Eyres vit et travaille à Glasgow, en Écosse. Elle est titulaire d'un MFA de la Glasgow School of Art. À travers des vidéos, des dessins et des sculptures, elle explore des erreurs narratives qui compliquent la compréhension du spectateur de la vérité subjective de l'auteur et problématise la notion d'autobiographie. Empruntant fréquemment à l'esthétique de la télévision à petit budget, ses vidéos sont centrées sur des récits personnels et sa propre performance dans ses vidéos se révèle à travers une voix ou une paire de mains désincarnées. Cette approche détachée de la performance se reflète dans sa récente série Dessins de conférence de Géographie (2016) et avec la Dessins de la vie  (2016).

Esmé Hogeveen est un lecteur, écrivain et éditeur basé à Toronto. À l'automne 2017, elle sera candidate au doctorat au programme d'histoire de l'art et de culture visuelle de l'Université York, axé sur les questions de jugement et d'intuition phénoménologique relatives à la visualisation sexuée (féminine), et étudiera avec Jennifer Fischer, Allyson Mitchell et Dan Adler. Elle est titulaire d'une maîtrise en théorie critique et recherche créative de la Hallie Ford Graduate School du Pacific Northwest College of Art (Portland, OR), où elle a reçu une bourse de mérite et le prix de la meilleure thèse de recherche. Elle détient également un baccalauréat en études anglaises et contemporaines de l'Université du King's College (Halifax, NS) et a récemment participé à la School of Criticism and Theory de l'Université Cornell (Ithaca, NY) et au Gonzago Institute du Khyber Center for the Arts. (Halifax, Nouvelle-Écosse). Elle a déjà reçu deux offres de bourses de maîtrise BESC du CRSH. En 2016, Esmé était stagiaire éditorial à Magazine C, pour qui elle a continué à écrire régulièrement, y compris une récente interview avec Lucca Fraser, «Féminismes du futur, maintenant: repenser le technoféminisme et la forme du manifeste», pour le numéro FORCE de l'hiver 2017 de C dédié aux féminismes contemporains. Esmé a également écrit pour GUTS: féministe canadienne Magazine, CRIT, PUBLICet Franz Kaka Gallery, et est membre collectif de M, I, C, E. Magazine. Elle a fait deux résidences au Caldera Arts Center (Sisters, OR) et sa série de lectures publiques Conception et désignation par défaut, menée dans le cadre de la résidence et exposition de robotique au Khyber Centre for the Arts (Halifax, N.-É.), a été nommée Art canadien "À voir." La pratique d'écriture d'Esmé implique fréquemment des collaborations avec des artistes et des penseurs de diverses disciplines, avec des projets résultants avec Hannah Levin McGraw, Luke Mohan, Matthew Green et Sophie Kujiper Dickson. Elle est également co-fondatrice de la plateforme de recherche interdisciplinaire Lire avec ______, qui a présenté une série de lectures publiques sur la métaphore lyrique à Toronto en 2016 et qui développe actuellement son programme de 2017.

Letch Kinloch  est un écrivain, artiste et administrateur des arts de Winnipeg dont le travail examine les métaphores du corps, de la maladie et de la mort comme une façon de penser à travers les rituels et les attentes de la société et «la façon dont les choses ont toujours été faites». Letch est le fondateur de Also As Well Too Artist Book Library, un espace gratuit et accessible qui célèbre, élargit les idées et donne des opportunités aux personnes travaillant avec le genre de livre d'artiste.

Soyoung Kwon est actuellement inscrit comme doctorant à l'European Graduate School, dans le programme Philosophie, Art et Pensée Critique. Ses recherches portent sur la subjectivité multiculturelle à travers la lentille de la psychanalyse et du féminisme. Elle détient une maîtrise en art, culture et technologie du Massachusetts Institute of Technology. Informée par son identité d'immigrante coréenne, sa thèse, manquer la traduction: du fait au sentiment à la forme, thèmes documentés de la migration, de la mémoire, des monuments et de l'image tels qu'ils ont été vécus par Kwon pendant son séjour au MIT. Elle est actuellement inscrite à un atelier de théâtre basé sur la technique de Sanford Meisner et Michael Chekhov qui met l'accent sur «la réalité du faire» et le geste psychologique.

Au cours de l'atelier Plug In, Kwon commencera à travailler sur son nouveau projet, La maison de retraite pour le Roomba. Compte tenu de la dégradation fonctionnelle de nos machines au fil du temps (l'électronique «intelligente» n'étant qu'une itération récente), Kwon s'interroge sur le type de vie que peuvent avoir ces inventions après leur apogée. Puis elle demande: «Quel type de logement prévu le projet obsolète mérite-t-il?»

Chloé Lum & Yannick Desranleau ont participé à de nombreuses expositions collectives à travers le Canada, les États-Unis et en Europe, dont l'Université du Texas à Austin (2015); le Center for Books and Paper Arts, Columbia College, Chicago (2015); le Musée d'art contemporain de Montréal (2011); la Kunsthalle Wien, Vienne (2010); le BALTIC Center for Contemporary Art, Gateshead, Angleterre (2009); et à Whitechapel Project Space, Londres (2007). Leurs récentes expositions personnelles incluent la Khiele Gallery, St. Cloud State University, Minnesota (2016); la Galerie d'art du Centre de la Confédération, Charlottetown (2014); YYZ Artists 'Outlet, Toronto (2013); et Blackwood Gallery, Université de Toronto (2012). Leurs performances ont été présentées à la Darling Foundry (2015), et dans le cadre du festival OFFTA (2016). Lum et Desranleau sont également connus sur la scène musicale internationale comme co-fondateurs du groupe d'avant-rock AIDS Wolf, pour qui ils ont également produit des affiches de concerts primées sous le nom de Séripop.

Kegan Mc Fadden En tant qu'écrivain, conservateur et artiste, les projets de Kegan McFadden brouillent la frontière entre la recherche culturelle et la narration. McFadden a organisé des expositions pour des galeries d'artistes, universitaires et publiques à travers le Canada au cours de la dernière décennie, utilisant une méthode de conservation volontairement subjective, afin de repositionner les récits reçus et de mettre en évidence des approches alternatives du discours. Les projets de McFadden, qui prennent la forme de publications, d'expositions, de performances et d'œuvres d'art, incarnent une théorie de la pensée à travers l'histoire. Il anime ses recherches archivistiques en mettant l'accent sur l'anecdotique, et s'intéresse particulièrement à la localisation de réseaux d'activités qui n'ont pas été reconnus.

Ralph Prichard est un artiste de l'image en mouvement qui travaille sur le désir, le pouvoir et les limites. Ils écrivent actuellement un court métrage dystopique sur le travail émotionnel et la technologie. L'expérience précédente de Ralph comprend la commande de contenu vidéo sur la politique et la culture pour Novara Media, la réalisation de projections et d'expositions de groupe à Londres et la co-réalisation d'un long métrage expérimental. Ralph co-anime le podcast Gone Clear et est actuellement membre de la School of the Damned, une maîtrise en beaux-arts alternative organisée par et pour ses étudiants.

Jasmin Reimer a reçu un BFA de l'Université Emily Carr de Vancouver en 2009 et un MFA de l'Université de Guelph en 2015. Les expositions personnelles récentes incluent 'Coherent Disorder and Confused Arousal' au Georgia Scherman Projects, 'Two Kinds of Anything' au G Gallery Projects et ' le côté le plus dur et le plus doux 'à la Dunlop Art Gallery. Elle est récipiendaire de nombreux prix et bourses, dont la subvention de projet du Conseil des Arts du Canada, la subvention de projet du Conseil des arts de l'Ontario, le prix du Conseil de recherches en sciences humaines (CRSH), la Vancouver Foundation Emerging Artist Grant et le Canadian Millennium Achievement Award. Son travail a été exposé dans de nombreuses expositions internationales et inclus dans des collections privées à travers le Canada. En février 2017, elle a accueilli une exposition solo de nouvelles sculptures et a publié son premier livre de poésie intitulé, Petites obstructions.

Jacquelyn Ross
est un écrivain et critique basé à Toronto. Son écriture est apparue dans BOMB, Mousse, Magazine C, La revue Capilano, artforum.comet ailleurs, et ses récents chapitres incluent Mayonnaise ainsi que  Dessins sur papier jaune. Elle publie des livres d'artistes et d'écrivains émergents sous la petite presse Chèque en blanc, et travaille actuellement sur une collection d'histoires.

Faith Wilson est une artiste et écrivaine de Hamilton, Aotearoa (Nouvelle-Zélande), résidant actuellement à Te-Whanganui-a-Tara (Wellington), Aotearoa. Elle est à la fois d'origine samoane et pakeha (néo-zélandaise européenne) et fait partie de la troisième génération d'immigrants des îles du Pacifique, grandissant uniquement à Aotearoa avec un lien minimal avec les Samoa. Diplômée d'un baccalauréat ès arts en littérature et philosophie anglaises à l'Université de Canterbury et à l'Université de Waikato, elle a ensuite terminé ses études avec spécialisation en littérature anglaise à l'Université de Victoria et a ensuite été acceptée à la

International Institute of Modern Letters à Victoria où elle a complété une maîtrise en écriture créative axée sur la poésie. Elle a été publiée dans de nombreuses publications littéraires en Nouvelle-Zélande. Ayant grandi dans le monde de l'art contemporain, elle l'a évité pendant de nombreuses années, mais a ensuite trouvé qu'il avait une urgence d'expression, elle a trouvé que la scène littéraire Aotearoa manquait. Elle a commencé à jouer avec sa mère dans une série de performances à Offstage, Common Ground et Enjoy Art

Gallery, puis a commencé à jouer en solo, incorporant des installations vidéo et textuelles dans sa pratique. Elle a exposé dans New Perspectives, une exposition co-organisée par Simon Denny à Artspace, 2016 et est souvent impliquée dans des illustrations textuelles collaboratives avec Fresh n Fruity Gallery en ligne. Depuis, elle a présenté des expositions solo OLGA, Window Online et Blue Oyster Artspace, et a organisé une exposition Objets sombres au Dowse Art Museum, Wellington en mars 2017.

Foi Wilson est un artiste et écrivain de Hamilton, Aotearoa (Nouvelle-Zélande), résidant actuellement à Te-Whanganui-a-Tara (Wellington), Aotearoa. Elle est à la fois d'origine samoane et pakeha (néo-zélandaise européenne) et fait partie de la troisième génération d'immigrants des îles du Pacifique, grandissant uniquement à Aotearoa avec un lien minimal avec les Samoa. Diplômée d'un baccalauréat ès arts en littérature et philosophie anglaises à l'Université de Canterbury et à l'Université de Waikato, elle a ensuite terminé ses études avec spécialisation en littérature anglaise à l'Université de Victoria et a ensuite été acceptée à la

International Institute of Modern Letters à Victoria où elle a complété une maîtrise en écriture créative axée sur la poésie. Elle a été publiée dans de nombreuses publications littéraires en Nouvelle-Zélande. Ayant grandi dans le monde de l'art contemporain, elle l'a évité pendant de nombreuses années, mais a ensuite trouvé qu'il avait une urgence d'expression, elle a trouvé que la scène littéraire Aotearoa manquait. Elle a commencé à jouer avec sa mère dans une série de performances à Offstage, Common Ground et Enjoy Art

Gallery, puis a commencé à jouer en solo, incorporant des installations vidéo et textuelles dans sa pratique. Elle a exposé dans New Perspectives, une exposition co-organisée par Simon Denny à Artspace, 2016 et est souvent impliquée dans des illustrations textuelles collaboratives avec Fresh n Fruity Gallery en ligne. Depuis, elle a présenté des expositions solo OLGA, Window Online et Blue Oyster Artspace, et a organisé une exposition Objets sombres au Dowse Art Museum, Wellington en mars 2017.