Luanda-Kinshasa par Stan Douglas
Septembre 28, 2019 - Décembre 29, 2019
Vernissage: Samedi, septembre 28 | 7 à 11pm
Au Plug In ICA en collaboration avec Nuit Blanche
Discussion avec d'artiste Stan Douglas: Vendredi, septembre 27, 2019 | 7pm
Emplacement hors site: 136 Artlab, école d'art, Université du Manitoba
Pour les pratiques d’ Luanda-Kinshasa , Stan Douglas reconstruit habilement le légendaire studio Columbia XNUMXth Street. Pour cette vidéo épique de six heures, l'artiste a imaginé une jam-session au début des années 70 dans le prestigieux studio de Manhattan, surnommé "The Church". Columbia Records a réaménagé une église abandonnée avec des plafonds voûtés dans un studio de XNUMX à XNUMX qui est devenu le site de certains des enregistrements musicaux les plus célèbres du XXe siècle, tels que celui de Miles Davis Au coin avec une longue liste de musiciens clés produisant en studio de Billie Holiday et Thelonious Monk à Aretha Franklin.
Luanda-Kinshasa est un enregistrement fictif en direct d’un groupe de jazz-funk des années 70 établissant un mélange de jazz, funk et Afrobeat. La jam session apparemment infinie dans Luanda-Kinshasa n’est pas simplement une représentation fictive, c’est une construction exigeante. L'ensemble de six heures est composé de clips montés d'une session d'enregistrement beaucoup plus courte, à partir de laquelle Douglas est mélangé dans un assemblage musical sans faille qui se construit et décroît en une synthèse post-production contrôlée sans répétition. C'est un exploit inspiré dans le son et l'image, repoussant les limites des deux: créer un son qui rajeunit continuellement, synchronisé avec des images qui défilent naturellement. À l'illusion d'un enregistrement continu en temps réel s'ajoute la mise en valeur subtilement phonique d'un instrument lorsque la caméra se concentre sur l'acteur qui la joue.
Les musiciens sont des personnages qui répondent à la caméra. Travaillant avec le célèbre pianiste de jazz américain Jason Moran, Douglas a engagé un groupe de musiciens, dont Moran, pour jouer un groupe de jazz-funk mêlant des motifs afro, asiatiques et latins à leur son. Douglas les a habillés avec les vêtements des années XNUMX, y compris leurs instruments, et a ajouté des éléments et des marques distinctifs des années XNUMX à la minutie des paquets de cigarettes et des tasses à café. Les gens traînent aussi sur les lignes de côté. Il y a des techniciens qui ajustent continuellement les nobs et autres, des groupies qui attendent avec impatience et un photographe qui impose son appareil photo. Mais les musiciens sont au centre de la caméra car son mouvement et son fonctionnement les animent. Alors que la caméra tourne d’un musicien à l’autre, l’artiste s’anime. Vous pouvez parfois constater une conscience de soi chez les interprètes lorsque la caméra se déplace entre eux et autour d'eux, mais le plus souvent, la caméra signale une charge revigorée lors de la lecture. La caméra est donc bien plus qu’un documentaire, c’est un agent actif qui ajoute de l’énergie à la scène et au son.
La lentille est l’œil de l’artiste qui dirige l’action, mais c’est aussi un personnage central; ses mouvements aussi actifs et engagés que les interprètes. La caméra est là pour capturer une histoire, mais aussi pour jouer un rôle dans sa structure référentielle. Le film de Jean Luc Godard One Plus One de XNUMX est une référence directe, qui est en partie installé dans un studio de son où les Rolling Stones enregistrent «Sympathy for the Devil» Sympathie pour le diable). Entre les scènes de studio sont présentées des images des Black Panthers qui ont lu des textes anarchistes. D'autres plans juxtaposés montrent une femme errant dans les bois ou un groupe de femmes blanches qui semblent être enlevées et qui sont finalement tuées. Le lien de Godard entre musique populaire et action dissonante est référencé par Douglas dans la reconstruction du studio, qui a une apparence et une palette familières à celle capturée par Godard. Et surtout, Douglas utilise les mouvements erratiques de la caméra du directeur français. Mais en Luanda-Kinshasa Douglas concentre l'action narrative sur un seul paramètre et distille ainsi les actes révolutionnaires et la politique raciale directement et axiomatiquement aux musiciens et à leur musique en studio.
La plupart des œuvres photographiques et cinématographiques de Douglas sont entremêlées dans une politique référentielle qui définit la diaspora noire liée à l'appropriation coloniale et à l'assimilation de la culture et de la musique africaines. Son jeu cinématographique Helen Lawrence (2014) se déroulant comme un conte de film noir dans les années 1930 dans Hogan's Alley - le premier et le seul quartier noir de Vancouver, qui a été à l'origine colonisé par des personnes qui se déplaçaient vers le nord depuis les États-Unis dans les années XNUMX et abritait une grande partie des bars et clubs de la ville. Ce quartier aujourd'hui démoli et en grande partie oublié fait également l'objet de Circa1948 (2014) la première et unique production de réalité augmentée interactive de Douglas qui impose des récits sur des images reconstituées d'un ensemble reconstruit avec précision de Hogan's Alley et du Old Vancouver Hotel. Pour Hors-champ (1992), une installation vidéo, Douglas a recréé un studio d’enregistrement de télévision française, filmant quatre musiciens qui ont improvisé la composition de free jazz de Albert Aylers Les esprits se réjouissent tout en tissant des coups de langue de l'hymne national français. La référence musicale de cette première installation vidéo comporte des associations d’action politique en France liées aux émeutes 1968 et au Mouvement nationalist noir aux États-Unis. Sa série photographique Discothèque Angola (2012) établit des liens avec le passé colonial du Portugal et ses liens avec la lutte pour l'indépendance de l'Angola. Dans le titre Luanda-Kinshasa Douglas établit des liens géographiques avec la musique jouée au cours de cette jam session marathon, avec l'histoire des colonies et les profondes influences des rythmes africains dans le jazz et le funk américains et européens. Le titre désigne deux capitales africaines: Luanda en Angola et Kinshasa en République démocratique du Congo, mais la scène se situe à New York.
Le cadre géographique et l'aspect social de Luanda-Kinshasa va hors de la représentation à l'activation, où l'imaginé pulse avec le réel, exprimant une division raciale et de genre présente dans le studio reconstruit. La scène est une expression visuelle de la manière dont l’occident en est venu à se définir, à travers ses appropriations. Mais aussi, comme il articule un moment contrôle où les acteurs s’informent et s’influencent consciemment et se transforme entre les mains de Douglas en un scénario qui se reconstruit continuellement en une boucle indiscernable. La musique, la caméra, le processus de montage et l'appareil technique utilisé pour la présentation de l'œuvre sont poussés à la limite de la fonctionnalité grâce au contrôle et à la précision. Cette complexité délibérée et durable est imprégnée d’histoire et d’action politiques. Ce qui semble être une jam session unique et dynamique contient tant d’histoire, ramenant des liens vers le continent africain, ancrant le tempo, le rythme et les artistes-interprètes dans des moments historiques et des lieux où l’indépendance était durement combattue. Dans les années soixante-dix, la RDC était alors le nouveau Zaïre et l'Angola a accédé à l'indépendance, ce qui a stimulé la guerre civile.
Le spectateur fait partie du scénario social, devenant un corps dans le studio, se fondant avec ceux qui sont sûr la touche. Le <<jam>> elle-même est un spectacle. Les musiciens qualifiés et la musique complexe, vive et optimiste. Douglas capture une performance fascinante, mais Luanda-Kinshasa est également un défi pour le spectateur que Douglas présente une socialité impliquée. Il exige autant du spectateur que des interprètes, de la caméra, de lui-même et de son studio.
Jenifer Papararo
Les musiciens de la vidéo ont été sélectionnés par le pianiste et compositeur de jazz Jason Moran, qui a joué avec Kahlil Kwame Bell, Liberty Ellman, Jason Lindner, Abdou Mboup, Nitin Mitta, Antoine Roney, Marvin Sewell, Kimberly Thompson et Burniss Earl Travis. Les producteurs sont Christopher Martini et Trivium Films; le producteur et arrangeur musical est Scotty Hard, le directeur de la photographie est Sam Chase, et le concepteur de la production est Kelly McGehee comptent également parmi les principaux contributeurs.
Installation pour cette exposition de Luanda-Kinshasa a été facilitée par le travail en studio de Stan Douglas avec Linda Chinfen et Brodie Smith, sous la direction du préparateur en chef de Plug In ICA, Theo Sims, avec l'aide de Craig Love, Janelle Tougas et Colby Richardson.
Stan Douglas a créé des films et des photographies, et plus récemment des productions théâtrales et d’autres projets multidisciplinaires qui étudient les paramètres de leur média. Son enquête permanente du rôle de la technologie dans la fabrication de l'image et de la manière dont ces médiations infiltrent et façonnent la mémoire collective a abouti à des œuvres à la fois spécifiques dans leurs références historiques et culturelles et largement accessibles. La photographie a été au centre de la pratique de Douglas, utilisée à l'origine comme moyen de préparer ses films et finalement comme un puissant outil pictural à part entière. Ancien élève du Emily Carr Collège d'art de Vancouver au début des 1980, Douglas a été l'un des premiers artistes à être représenté par David Zwirner, où il a présenté sa première exposition personnelle américaine au 1993. Dans 2013, une étude majeure sur le travail de l'artiste, Stan Douglas: Photographies 2008 – 2013, a été présenté au Carré d'Art - Musée d'Art Contemporain de Nîmes, France. Parmi les autres présentations solos majeures figurent celles qui ont eu lieu au Museu Coleção Berardo, Lisbonne (2015); The Fruitmarket Gallery, Édimbourg (2014); Institut des arts de Minneapolis (2012); Le Studio Museum de Harlem, New York (2005); Serpentine Gallery, Londres (2002); Centre Georges Pompidou (1994); et Musée des beaux-arts de l'Ontario (1987). Récemment, Douglas a participé à La Biennale di Venezia, 58e exposition internationale d'art. Douglas a reçu des prix notables, notamment le Prix international de photographie de la Fondation Hasselblad (2016); le troisième prix annuel de photographie de la Banque Scotia (2013); et le prix Infinity de l'International Center of Photography, New York (2012). Il vit et travaille à Vancouver.