Plug In Institute of Contemporary Art a le plaisir de vous présenter :
Institut d'hiver 2024 : Est-ce que ça marchera, comment ça marche, est-ce que ça marche
dirigé par la professeure Judy Radul
20 – 25 février 2024
Le thème central de la session inaugurale d'hiver, intitulée Est-ce que ça marche, comment ça marche, est-ce que ça marche– c’est l’expérimentation. Son professeur principal est Judy Radul, l'artiste derrière l'exposition personnelle Podium de diffusion de conférences en direct : Je ne suis pas un chat à Plug In ICA de février à avril 2024. L'exposition de Radul et le Winter Institute se concentrent sur des thèmes similaires, interrogeant la matérialité numérique de la performance, les techniques culturelles, les théories explorant les intersections sociopolitiques et d'autres questions connexes liées aux pratiques contemporaines des médias et de la médiation.
L'Institut d'été, avec une période plus longue de recherche et de partage, permet une production créative. Cependant, compte tenu du délai plus court, l'activité de base de l'Institut d'hiver sera la conversation au sein de la cohorte de participants. Chaque journée commencera par le visionnement d'une conférence donnée par l'un de nos professeurs invités au sein de l'appareil d'exposition. Ces conférences, qui s'inscrivent dans le cadre de la programmation publique de Plug In ICA, seront ouvertes au public.
À la suite de leur intervention, l'orateur deviendra le professeur invité quotidien. S'appuyant sur leur présentation préparée – rendue quelque peu performative par le « Live Lecture Streaming Podium » – ils se joindront à une session moins « mise en scène » et plus improvisée avec la cohorte du Winter Institute. Au sein de la cohorte, un partage plus intime de la pratique de l'orateur et des discussions entre les participants se transformera en ateliers qui élargiront la compréhension du matériel présenté.
Cet institut d'hiver est un assemblage improvisé basé sur la négociation de l'approche orientée vers la théorie critique des médias des conférenciers (et du podium de conférences en direct lui-même) et des intérêts des participants, en particulier lorsqu'ils croisent les idées de performance, de technologie médiatique et de techniques culturelles. Les techniques culturelles sont décrites par Bernhard Siegert comme suit : « englobant tout, depuis les gadgets, les artefacts et les infrastructures jusqu'aux compétences, procédures et technologies. Pas seulement des machines, mais aussi des procédures légales, des rituels sacrés, etc.
Les activités des ateliers du Winter Institute comprendront des conversations, des lectures, des visionnages de vidéos et l’exploration des processus numériques associés aux conférences présentées.
Les participants peuvent s’attendre à un espace ouvert d’esprit où les idées et les conversations sont explorées de manière critique. L’intention pleine d’espoir du Winter Institute est que son modèle tronqué supprime la pression nécessaire pour produire un produit final, permettant une contemplation et une recherche ciblées au sein d’un espace empathique mais holistique qui peut se traduire par des efforts artistiques à l’échelle de la communauté.
ÉVÉNEMENTS PUBLICS:
Chaque jour, des membres invités du corps professoral présenteront une conférence unique via l'appareil de conférence de Radul.
Cécile Malaspina, L'intellect matériel du 21e siècle : réflexions sur la dissonance sociale | 20 février 2024, 10h30
« On ne peut être libre que dans un pays autoritaire », a récemment déclaré en privé un philosophe turc. « La liberté – dans la mesure où elle existe dans un État autoritaire – découle de son incapacité à contrôler tous les aspects de la société et est donc réelle. » Il s’agit de la liberté de passer inaperçu de la censure et de l’intimidation, ou de s’y opposer ouvertement, en toute connaissance de cause, et d’en braver les conséquences. Les choses ne sont pas aussi claires dans une démocratie libérale, où la liberté individuelle filtrée par Instagram est une illusion à laquelle il est difficile de renoncer. Dans cette conférence, nous réfléchirons aux paradoxes de l'individu libéral en termes de ce que le philosophe et artiste noise Mattin appelle la « dissonance sociale » et nous le ferons à travers le prisme de la notion philosophique perdue depuis longtemps de « l'intellect matériel ».
Tom Kohut, « Todestrieb » et récursivité : effondrement de l'organique et de l'inorganique | 21 février 2024, 10h30
En 1920, Sigmund Freud publiait Au-delà du principe de plaisir, remarquable notamment par sa postulation de deux concepts psychanalytiques liés : la compulsion de répétition et le Todestrieb (étrangement traduit par James Strachey en anglais par « pulsion de mort », alors que « pulsion » aurait été plus approprié). En tant que pulsion, la « pulsion de mort » trouve nécessairement sa satisfaction dans sa répétition, ce qui la relie à la compulsion de répétition que Freud a localisée chez les anciens combattants et les jeunes enfants choqués de la Première Guerre mondiale. Ce que Todestrieb nomme est un processus par lequel l'organique et l'inorganique subissent une dé-différenciation perpétuelle, explicitement exploré dans son essai connexe « The 'Uncanny' », dans lequel la contrainte de répétition et son effet psychiquement inquiétant sont liés à des situations dans lesquelles le vivant ( organique) et mécanique (inorganique) deviennent indiscernables. Dans cet article, je soutiendrai qu’à un niveau différent, une dédifférenciation similaire via la répétition se produit technologiquement à travers une étude de la cybernétique et son propre brouillage de la distinction entre le naturel et le technique. Le philosophe de la technologie, Yuk Hui, souligne spécifiquement l’importance de la récursivité dans la cybernétique et les technologies algorithmiques contemporaines. Ce que je suggérerai, c'est qu'il existe à tout le moins une homologie productive entre ces algorithmes récursifs et le concept psychanalytique de Todestrieb afin d'élargir le champ de considération de la nature-technique/culturelle habituelle à la question plus large de « la vie- la mort », l’érosion de l’organique et de l’inorganique. Comme l’écrit Donna Haraway dans « The Cyborg Manifesto », « nos machines sont d’une vivacité inquiétante, alors que nous sommes nous-mêmes terriblement inertes. »
Dave Biddle, Faire face à la désintégration du visage humain | 22 février 2024, 10h30
En référence à des penseurs comme José Ortega y Gasset, Michael Polanyi, Octavia Butler, Bernard Stiegler et Alicia Juarrero, cette conférence examinera le statut ontologique des visages en général, et du visage humain en particulier. Dans le contexte d’une technosphère qui génère et fait circuler sans cesse des images du visage humain, cette conférence approfondira les questions suivantes :
- Sommes-nous en danger de perdre notre capacité à considérer les visages comme des intégrations cohérentes qui mettent en lumière l’expérience intérieure des autres ?
- Les traits discrets du visage sont-ils devenus plus visibles dans la vie contemporaine en raison de notre capacité dégradante à reconnaître la signification tacite des visages ?
- Quel est le lien entre reconnaître les visages et reconnaître les complots ?
- De quelles manières le fonctionnement secondaire des paupières pourrait-il façonner notre épistémologie ?
- Les plantes voient-elles (des visages) ?
Dr Harinder Aujla, Approches informatiques pour comprendre le langage | 23 février 2024, 10h30
L’analyse du discours implique de comprendre comment l’utilisation du langage reflète et façonne l’expérience humaine. L’avènement des techniques informatiques, notamment les modèles spatiaux vectoriels et les grands modèles de langage (LLM) basés sur des réseaux neuronaux, ainsi que l’explosion des informations disponibles sur Internet, ont offert de nouvelles opportunités pour examiner le langage à grande échelle. Je présente des approches pour extraire à la fois le sens et les sentiments des sources de texte en ligne et je donne quelques exemples de la manière dont ces informations peuvent être utilisées pour nous aider à comprendre la communication.
Tous les événements publics auront lieu au Plug In ICA. Aucun RSVP requis.
LA FACULTÉ:
Celui de Judy Radul les installations vidéo comportent souvent des systèmes techniques, notamment une chorégraphie de mouvement originale contrôlée par ordinateur et un système de lecture pour la vidéo en direct et préenregistrée. Les expositions récentes incluent : Dazibao, Montréal, 2023 ; Biennale de Gwangju, 2021 ; Musée Albertinum, Dresde, 2021 ; Kunstinstitute Melly, Rotterdam, 2017. Son installation médiatique à grande échelle Cour de répétition mondiale (2009) a été présenté à Vancouver, Vienne, Séoul, Oslo et Moscou. Elle a publié deux livres chez Sternberg Press Berlin : Mille yeux : technologie des médias, droit et esthétique, 2011 co-édité avec Marit Paasche, et C'est la télévision, 2018. Radul a obtenu un baccalauréat en beaux-arts et arts du spectacle de l'Université Simon Fraser, Vancouver, 1991 et une maîtrise en arts visuels et médiatiques, Bard College, New York, 2000. Elle est professeur d'art visuel à la SFU School for Contemporary Arts. Elle vit à Berlin et à Vancouver (terres non cédées de Tsleil-Waututh, Skwxwú7mesh et Musqueam) et est représentée par la Catriona Jeffries Gallery de Vancouver. Apprenez-en davantage sur Judy Radul sur son site Web ici
Nb d'Invités
Dr Harinder Aujla est professeur au département de psychologie de l'Université de Winnipeg. Il utilise des modèles informatiques de sémantique pour comprendre comment différents groupes de personnes en viennent à avoir des compréhensions différentes des mêmes mots.
Dave Biddle (étant me) est un artiste et chercheur interdisciplinaire (étant doctorant à la SFU École d'Art Contemporain à Vancouver) qui vit à les territoires traditionnels non cédés des Premières Nations Musqueam, Squamish et Tsleil-Waututh. Son (étant my) le projet de recherche actuel est enhardi par deux (soit 2) citations de Clarice Lispector L'heure de l'étoile (1977):
1) "Je ne sais pas pourquoi, mais je sais que l'univers n'a jamais commencé."
2) "Tant que j'aurai des questions sans réponse, je continuerai à écrire."
La première citation renseigne sur le contenu de mon (étant Dave's) projet de recherche tandis que le second se débat sur sa forme. Dave Biddle (toujours étant moi) s'intéresse à la façon dont les nombreuses formes différentes de vie sur terre (être métaphoriquement différents) sont tous orientés vers la production de nouvelles expressions de sens (c'est ce qu'Erwin Schrödinger appelle néguentropique), et dans ce processus, certaines de ces expressions néguentropiques de sens émergent comme quelque chose appelé un Artiste Bio (être un réfléchi expression). Travaillant avec le texte, le son, l'image animée et la performance, la bourse de Dave (qui ne se distingue pas de sa art pratique) synthétise la recherche en biologie théorique, en philosophie de l'esprit et en biosémiotique pour produire des artefacts pédagogiques qui évoquent une nouvelle métaphysique de la vie (étant la différence entre rêve lucide et perte de sommeil). Au moment d'écrire ces lignes Artiste Bio, Dave Biddle est (étant était) assis là où il s'assoit habituellement lorsqu'il étudie les poissons d'argent dans ses livres (étant va).
Tom Kohut est un écrivain et théoricien vivant actuellement à Winnipeg. Entre autres travaux, il est co-éditeur de Communication and Aesthetic Theories Revisited de Marshall McLuhan et Vilém Flusser, et travaille actuellement sur la psychanalyse et l'art médiatique canadien contemporain.
Cécile Malaspina est chercheur invité au King's College de Londres et à l'Université de l'Ouest de l'Angleterre. Elle dirige des programmes pour le Collège International de Philosophie et le New Center for Research & Practice. Une épistémologie du bruit (2018). Trans. Simondon, Sur le mode d'existence des objets techniques (2017).
Participants
Olanrewaju Victor Abiola (né en 2000) est un artiste visuel multidisciplinaire originaire d'Ibadan, au Nigéria. Sa pratique s'étend à travers divers médiums, des dessins au crayon aux installations projetées numériquement. L'approche expérimentale d'Abiola permet de décomposer les dialogues domestiques en représentations plus simples à l'aide de métaphores illustrées, tout en réorientant le sens de ces événements familiers. La pratique d'Abiola a été grandement influencée par sa collision constante entre les districts métropolitains et ruraux d'Ibadan, l'une des plus grandes villes d'Afrique de l'Ouest. Il a complété ses études postsecondaires à la School of Art de l'Université du Manitoba, où il a obtenu un baccalauréat en beaux-arts. L'artiste est récipiendaire de plusieurs prix provinciaux au Manitoba et en Ontario avec des expositions individuelles et collectives.
Cullen Bingeman est une artiste et éducatrice de Winnipeg. Il est diplômé du NSCAD Université en 2019 avec un MFA en Dessin et Peinture. Le travail le plus récent de Cullen examine comment le sens émerge du dessin improvisé fondé sur le mouvement et le geste. L'œuvre aborde les thèmes de la mémoire tacite, explorant des notions de paysage allant des petits dessins aux œuvres à grande échelle.
Madeleine Bogoch (elle/elle) est une écrivaine et programmatrice de films basée sur le territoire du Traité 1/Winnipeg dont le travail se concentre principalement sur les pratiques expérimentales d'images en mouvement, les sous-cultures en ligne et les histoires de l'art féministes. Ses écrits ont été publiés dans Public Parking, C Magazine, Peripheral Review, Galleries West et autres. Madeline est directrice des collections et de la distribution des médias au Video Pool Media Arts Centre, codirectrice du Winnipeg Underground Film Festival (WUFF) et a également organisé des projections avec Vtape, VUCAVU et Video Pool Media Arts Centre.
Église de Kristiane est une artiste basée à Winnipeg, travaillant dans une variété de médiums : réalisation de films, photographie, installation, confection de vêtements et performance. Sa pratique est centrée sur la création d'un monde d'images sous le terme générique de cinéma, et s'intéresse particulièrement à la caméra et à sa relation avec le corps, la voix, la perception, ainsi qu'aux possibilités des médias basés sur le temps. Même si le travail prend souvent la forme d'images fixes ou animées analogiques, il existe un malaise récurrent face à l'image cristallisée, et beaucoup d'attention menant à sa création.
Madelyn Gowler est un artiste cinématographique queer axé sur la matérialité et les processus expérimentaux de création d’images. Ils résident actuellement sur le territoire du Traité n° 1 et ont obtenu leur baccalauréat en beaux-arts de l'Université du Manitoba. Gowler explore les thèmes du genre, de l'homosexualité, du cinéma comme sujet et de la relation entre la nature et les espaces construits. Leurs films ont été projetés localement et internationalement au « Engauge Experimental Film Festival » à Seattle WA (2023) et « Experiments in Cinema v18.4 » à Albuquerque, Nouveau-Mexique (2023).
Annie Kierans est une artiste visuelle originaire de Kjipuktuk/Halifax, Canada. Elle est titulaire d'un baccalauréat en histoire de l'art du Nova Scotia College of Art and Design et du National College of Art and Design de Dublin, en Irlande. Elle a contribué à des projets communautaires du subarctique à l'Atlantique avec des organisations telles que la Première Nation Tr'ondëk Hwëch'in, le Klondike Institute of Art and Culture, le Jimmy's Place Artist's Collective, le Ross Creek Centre for the Arts et l'Atlantic Filmmakers. Coopérative. Entre pixels et peinture, elle vise à allonger le temps en bouleversant les lois de la physique et de la perspective. Actuellement, elle étudie la tension et la symbiose entre l’intelligence algorithmique, l’expérience incarnée et les changements climatiques.
Mathieu Lacosse (1990) est une artiste vivant à Oslo, en Norvège, qui a grandi sur le territoire du Traité Un, à Gimli et Winnipeg, au Canada. Il travaille avec la sculpture, le texte, les images et la performance, offrant des modifications et embellissements mineurs de son environnement. Au cœur de ce travail se trouve une critique des conditions et des attentes régissant le travail, la respectabilité et la propriété. Lacosse est titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts de l'Université du Manitoba et d'une maîtrise en beaux-arts de l'Académie nationale des arts d'Oslo. Les expositions sélectionnées incluent Heerz Tooya (BG) ; Guttormsgaards Arkiv (NON); Kunstnernes Hus (NO); et Plate-forme Centre pour les arts photographiques et numériques (CA). Il a été artiste en résidence à ARV.International (BG), PRAKSIS, Oslo (NO) et a effectué des mentorats avec Shep Steiner et Jenifer Papararo.
Rébecca La Marre est un artiste queer et neurodiversifié basé à Saskatoon / Traité 6, avec une pratique d'écriture, de création et de performance. Elle utilise l'argile, le texte et la voix humaine pour donner forme à des questions sur ce que signifie être une personne dans le monde. Son activité est motivée par ce qu'elle lit et par le besoin de tester comment les structures idéologiques, les traumatismes, le langage et les rituels peuvent façonner les corps. La première personne à lui avoir appris l'argile fut sa grand-mère Ellen La Marre, qui exposait son travail dans des lieux domestiques et sur des marchés artisanaux. Elle est titulaire d'un MFA de Goldsmiths, Université de Londres et a suivi des cours auprès d'artistes céramistes, dont Marie Coté et Ken Wilkinson, et a été encadrée par Rob Froese. En 2023, elle a participé à une résidence de 3 mois au Centre international de céramique Medalta. Son travail est exposé et publié à l'échelle internationale. Les lieux incluent la Serpentine Gallery, le MOMA PS1, le Western Front et la Darling Foundry. Ses écrits ont été publiés dans des revues comme Happy Hypocrite et Organism for Poetic Research. Elle est l'ancienne rédactrice et coordinatrice des publications de Remai Modern, et rédactrice émérite du EROS Journal à Londres, au Royaume-Uni.
Titulaire d'un Master dans le domaine de la Littérature Comparée et d'une expérience internationale en tant que chercheur et conférencier, Alicia Laurent partage ses connaissances sur les stratégies de communication artistique à médiation numérique, en abordant le dialogue à travers une lentille sensible au genre et à la culture. Elle est une artiste en exercice, avec des illustrations publiées dans Discorder Magazine et une récente exposition numérique financée par le Conseil des Arts du Canada par le biais de Emily Carr University of Art and Design Showcase, intitulée « Mapping Switchboard » : https://www.ecuad.ca/showcase/mapping-switchboard.
Sylvie Matas est une artiste vivant sur le territoire du Traité n°44 à Winnipeg. Elle a obtenu son MFA au Chelsea College of Art de Londres, en Angleterre. Sa pratique combine images et langage aboutissant à des vidéos, des livres, des textes et des dessins. Des vidéos récentes ont été réalisées avec des photographies trouvées sur Internet provenant de sources telles que des caméras de surveillance, des photos satellite et des archives en ligne. Elle s’intéresse à remettre en question les façons habituelles de voir et la manière dont la technologie peut modifier la façon dont nous percevons la réalité. Son travail a été exposé au Art Museum de l'Université de Toronto, Gallery XNUMX, YYZ Artists' Outlet, Mercer Union (Toronto), The Maclaren Art Centre (Barrie, ON), The Winnipeg Art Gallery, Plug In ICA, School of Art. Gallery (Winnipeg), Truck Contemporary Art (Calgary) et la Art Gallery of Regina.
David Peters
Je suis un artiste, un écrivain et un éducateur né au Cap-Breton, en Nouvelle-Écosse, et même si l'expérience de grandir dans une zone rurale au bord de l'océan a été quelque chose que j'ai souvent considéré parallèlement et dans le cadre de mon travail, Je n'ai pas encore accepté ce que signifie quitter un endroit, n'importe où.
J'ai étudié à l'Université Mount Allison au Nouveau-Brunswick et après avoir obtenu un baccalauréat, j'ai déménagé à Vancouver, en Colombie-Britannique, où j'ai nettoyé des maisons et sculpté des cascades et des réservoirs de piranha tout en complétant un baccalauréat en beaux-arts à l'Université Emily Carr et une maîtrise en beaux-arts à l'Université. de Victoria. J'ai enseigné la photographie à l'Université de Victoria en 2017 et 2018, et j'enseigne depuis à temps plein à l'École d'art de l'Université du Manitoba où je me concentre sur : le dessin, la photographie en chambre noire, les plateformes d'édition numérique et des cours d'introduction plus complets axés sur sur le développement des arts plastiques pour les étudiants de première année.
Je travaille entre des disciplines qui incluent la photographie, le dessin, l'installation, la sculpture et l'écriture. Souvent, je mélange ces disciplines dans des installations qui encouragent les spectateurs à s'engager directement, souvent physiquement, avec l'œuvre d'art d'une manière qui se concentre sur l'architecture et le lieu et explore la façon dont le corps entoure et compose l'œuvre.
Actuellement, ma sculpture fait partie du programme d'art public de la ville de Morden, placé au bord du lac Minnewasta au Manitoba, et pas plus tard qu'en 2022, j'ai travaillé avec Leah McInnis pour créer une exposition. Assemblée du club à ARTsPlace à Annapolis Royal, en Nouvelle-Écosse.
Remerciements
Nous sommes sur le territoire du Traité 1. Plug In ICA est situé sur les territoires des peuples Anishinaabeg, Cree, Oji-Cree, Dakota et Dene, et sur le territoire national des Métis de la rivière Rouge.
Notre eau provient de la Première Nation Shoal Lake 40.
Plug In ICA exprime sa profonde gratitude à ses généreux donateurs, à ses membres précieux et à ses bénévoles dévoués. Nous reconnaissons le soutien continu de notre cercle de directeurs. Vous faites tous une différence.
Nous tenons à souligner le généreux soutien du Groupe Johnston pour le parrainage de ce programme.
Nous remercions chaleureusement le Conseil des arts du Canada, le Conseil des arts du Manitoba et le Conseil des arts de Winnipeg. Nous ne pourrions pas fonctionner sans leurs investissements financiers continus et leurs efforts de lobbying.
Plug In ICA compte sur le soutien de la communauté pour rester libre, accessible à tous et nous permettre de continuer à présenter d’excellents programmes. Veuillez envisager de devenir membre de Plug In ICA et un donateur à https://plugin.org/support ou en contactant Caitlin au caitlin@plugin.org.
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