Pour l'Institut d'été 2016, la Wood Land School a été invitée à Plug In ICA. L'artiste Duane Linklater et la conservatrice Jaimie Isaac dirigent un groupe de participants autochtones et non autochtones à travers une série de textes, de films, de voyages sur le terrain et de temps en studio pendant trois semaines dans la ville de Winnipeg. Ceux-ci comprenaient:

- Visite de conservation of Qua'yuk tchi'gae'win: Faire le bien comprenant Jaimie Isaac à la Winnipeg Art Gallery
- Visite du coffre-fort du Musée du Manitoba avec Sherry Farrell Racette
- Visite au Musée canadien des droits de la personne
- Entretien de la conservatrice avec Michelle LaVallee. Lien vers une vidéo de la conférence ici
- Entretien de la conservatrice avec Julie Nagam
- Criblage de Les Exilés (1961) de Kent MacKenzie
- Entretien de la conservatrice avec Cathy Mattes (Une vidéo de discussion peut être vue ici)
- Entretien du conservateur avec Daniel Jewesbury (L'art et ses publicités à Belfast 'Post-Conflict'). Lien vers la vidéo du discours ici
- Open Studio, réception et exposition

Pour cette itération de Wood Land School, Isaac et Linklater ont choisi une seule œuvre d'art comme point de départ conceptuel pour l'école, Daphne Odjig'sFemme Thunderbird (1973), présenté dans Nous sommes sur la terre du traité, une exposition de groupe organisée par Isaac à la Winnipeg Art Gallery à partir de leur collection permanente.

L'imagerie puissante de Daphne Odjig Femme Thunderbird a été utilisé comme icône et comme point de départ symbolique pour cette itération de Wood Land School. Il articule l'action autochtone, les rôles de tutelle et de protection, et la notion de transformation. Isaac et Linklater ont posé cette agence évoluant entre les espaces ruraux et urbains, les institutions, les idées, les formes et dans une articulation de leurs pratiques artistiques contemporaines respectives.

"Nous voyons Femme Thunderbird comme site conceptuel d'un énorme potentiel pour notre travail à la Wood Land School. Pendant trois semaines, nous lirons des textes et regarderons des films qui complètent les idées Femme Thunderbird. Nous espérons que l'engagement avec ces matériaux et ces idées suscitera des dialogues critiques, de longues situations discursives, de longues prises et des œuvres d'art qui aboutiront à une exposition à sa fin.

Wood Land School est un projet en cours sans emplacement ni formulaire fixe. Il cherche des engagements critiques dans les domaines de la représentation, du cinéma, de l'art contemporain, de la terre et de la politique à Turtle Island et au-delà. Chaque itération de Wood Land School porte avec elle un engagement à combler le manque d'inclusion structurelle, à la fois historiquement et dans le présent, dans une multiplicité d'espaces institutionnels. Il s'agit d'un espace conceptuel et physique pour les peuples autochtones, les peuples autochtones décidant de ses orientations, structures et fonctions. Un élément important et vital de la structure de la Wood Land School depuis ses débuts est l'inclusion de personnes non autochtones dans son tissu, car la faculté veut inclure et non exclure ceux qui souhaitent s'engager dans la complexité de ces questions susmentionnées. L'école Wood Land a vu le jour en 2011 avec la réalisation d'une petite exposition d'œuvres sélectionnées par Duane Linklater dans un petit studio situé au-dessus d'un magasin des Premières Nations de Nipissing en Ontario. Depuis, il a pris de nombreuses formes telles que des résidences, des séminaires, des projections de fi lm et des événements discursifs, dans des endroits comme le Banff Centre for the Arts, Art Metropole et l'Université Simon Fraser. Actuellement, un livre de critiques est rédigé avec le soutien de la Or Gallery Vancouver et des SFU Galleries.

Daphne Odjig est une artiste de renommée internationale. Né le 11 septembre 1919 et élevé dans la réserve indienne non cédée de Wikwemikong sur l'île Manitoulin (lac Huron), Ontario Canada. Elle a longtemps été reconnue comme une peintre influente et l'un des principaux responsables du style Woodland. Son travail fait partie d'une importante collection d'art au Canada et à l'étranger. Une rétrospective de son travail a été exposée au Musée des beaux-arts du Canada et elle a eu une exposition personnelle à l'Institute of American Indian Arts Museum, Santa Fe et à la McKenzie Art Gallery, Regina. Elle a reçu des diplômes honorifiques de sept universités, dont l'Université de Toronto, Western Ontario et l'Université Laurentienne de Sudbury. De nombreux documentaires se sont concentrés sur sa vie et son travail, y compris La vie et l'œuvre des artistes des bois (2003); Esprits s'exprimant de Géographie (1981) et avec la Couleurs de fierté  (1973).

Corps enseignant

Jaime Isaac est artiste et commissaire. En 2015, elle a reçu le poste de résidente de conservation autochtone à la Winnipeg Art Gallery par l'entremise du Conseil des arts du Canada. Dans le cadre de ce poste (dans le cadre d'une collaboration entre le WAG et Plug In ICA), Isaac travaillera avec Duane Linklater pour diriger la Wood Land School en tant qu'Institut d'été 2016 de Plug In. Isaac détient un baccalauréat en histoire de l'art ainsi qu'un certificat en gestion des arts et de la culture de l'Université de Winnipeg. Sa thèse de maîtrise de l'Université de la Colombie-Britannique Okanagan portait sur la décolonisation de la praxis curatoriale; cartographie de l'agence et de l'esthétique de la praxis curatoriale autochtone dans l'art contemporain canadien. L'expérience de travail d'Isaac comprend l'Aboriginal Peoples Television Network et les Arts and Cultural Industries of Manitoba en tant que gestionnaire des programmes autochtones et de la sensibilisation. Elle a travaillé dans la gestion de collections d'art, l'éducation artistique et des ateliers, et a occupé divers rôles dans l'administration des arts. Isaac a travaillé en collaboration avec des projets en tant qu'artiste, commissaire et écrivain. Elle a récemment organisé, Nous sommes sur des terres de traité une exposition d'œuvres de la collection du GAF et d'artefacts du Musée du Manitoba. Elle lancera une grande exposition de groupe, Border X au WAG à l'automne 2016.

Duane Linklater est un cri d'Omaskêko, de la Première nation Moose Cree dans le nord de l'Ontario et est actuellement basé à North Bay, en Ontario. Linklater a fréquenté la Milton Avery Graduate School of Arts du Bard College dans le nord de l'État de New York, aux États-Unis, où il a terminé sa maîtrise en beaux-arts en cinéma et vidéo. Il a exposé et projeté son travail à l'échelle nationale et internationale à la Vancouver Art Gallery; Family Business Gallery à New York; Centre des arts Te Tuhi, Auckland; Nouvelle-Zélande, City Arts Centre, Édimbourg, Écosse; Institut des arts contemporains de Philadelphie et Musée des beaux-arts de l'Utah, Salt Lake City. Son projet de fi lm collaboratif avec Brian Jungen, Modest Livelihood, a été initialement présenté à la Walter Phillips Gallery du Banff Center dans le cadre de dOCUMENTA (13) avec des expositions ultérieures de cette œuvre à la Logan Center Gallery de l'Université de Chicago et de l'Art Musée des beaux-arts de l'Ontario, Toronto. Linklater a également reçu le Sobey Art Award 2013. Il est actuellement représenté par la Catriona Jeffries Gallery, Vancouver.

École Wood Land à Plug In ICA: 18 juillet^th À Août 5^th, 2016
Pour lire les bio des participants 2016, cliquez sur ici

Participants

Jaime Noir est un artiste multidisciplinaire métis originaire de Thunder Bay, en Ontario. Influencée par le lien profond de son grand-père avec la terre et ses expériences en grandissant dans la brousse, la pratique artistique de Black est apparue comme un moyen d'explorer sa relation à son identité métisse. Son travail aborde les thèmes de la mémoire, des traumatismes, de la résistance et de la résilience. Largement autodidacte, Black a commencé une pratique artistique à plein temps après avoir créé The REDress Project, un projet artistique d'installation qui attire l'attention sur les femmes et les filles autochtones disparues ou assassinées. Le projet continue de tourner à travers le Canada et à l'étranger et est actuellement exposé au Musée canadien pour les droits de la personne. Jaime a récemment été reconnue par le Musée des droits de la personne comme l'une des cinq femmes qui devraient être connues au Canada, aux côtés de leaders comme Nellie McClung et Viola Desmond. Récemment, Jaime a créé une exposition personnelle de nouvelles œuvres photographiques présentées à Actual Gallery.

Lindsey BondLes travaux axés sur la lentille explorent les enjeux sociogéographiques au Canada. En tant que Canadienne de troisième génération, elle crée une imagerie omniprésente à travers une lentille de colonisation, révélant notre besoin de renouer avec le sol sur lequel nous vivons. La pratique de Bond a commencé à se concentrer sur les collaborations et les alliances entre les communautés autochtones et de colons pour approfondir la perception canadienne de l'espace, de la mémoire et de l'identité. Bond travaille avec une éthique photo-documentaire comme point de départ pour créer des installations photographiques et de cartes postales au niveau de la rue, des livres et des vidéos. Les projets actuels abordent les effets des anciennes raillines au Canada et le voyage à travers les ponts ferroviaires comme métaphore de la transformation personnelle. Lindsey a obtenu son baccalauréat en photographie de l'Université Emily Carr of Art + Design et a étudié les communications visuelles à Édimbourg, en Écosse. Le travail de Bond a été exposé à travers le Canada, y compris: Galerie 44; installation hors site sur King and Spadina, Toronto; Latitude 53 Culture visuelle contemporaine; installation de transport en commun dans le TLR d'Edmonton, le Harcourt House Arts Centre et le Richmond International Film + Media Arts Festival.

Stéphanie Duran Castillo est né à Lima, au Pérou, en 1987, dans une famille de la classe moyenne à Lima pendant le conflit interne au Pérou (1980-1992). Stéphanie décide de poursuivre l'animation à 17 ans après avoir regardé la série L'Opera Imaginaire (1), qui décrit l'animation en dehors de l'utilisation commerciale. À 18 ans, elle commence à étudier dans une école technique au Pérou où elle passe son temps à découvrir elle-même l'animation. Elle dirige trois premières expériences: la Comédie Kalasnikov et les drames La Escalera ainsi que le Nuit de Fête qui lui ont valu des prix étudiants dans sa ville. Elle est diplômée d'une thèse de cinéma en narration andine appliquée à l'animation en 2004. Elle parcourt son pays, visite plusieurs provinces et parle à plusieurs artistes et artisans de la danse, de la musique, de la céramique et de l'art textile.

À Lima, elle s'implique avec des critiques autodidactes, des cinéastes et des travailleurs culturels qui sont en dehors du circuit officiel de Lima. Partageant tous une envie d'un nouveau cinéma, le groupe s'engage dans plusieurs initiatives pour changer la scène cinématographique. En 2011, Stéphanie collabore au lancement du premier Festival du Film Independiente de Lima. En septembre 2011, Stephanie débarque au Canada pour fréquenter l'université. Bien que profondément impliquée dans les activités du département, Stéphanie commence à explorer l'histoire des arts visuels. Elle obtient son diplôme avec un film expérimental, WEAVE, et commence à produire des incursions dans l'installation, la vidéo et la performance en plus de ses écrits et dessins réguliers. Stephanie développe actuellement des études sur l'art public et développe un film d'archive / une histoire courte fantastique appelée Genesis / Syndromes of a Century.

Danielle Fenn est un artiste interdisciplinaire de Winnipeg, Canada. Elle termine actuellement son diplôme de premier cycle à la School of Art de l'Université du Manitoba. Elle a une formation en écriture créative et en gravure mais concentre maintenant sa pratique sur la performance et le travail basé sur l'objectif. Elle a été récipiendaire du prix de recherche de premier cycle pour Sarah Ciursyek à l'été 2015. Elle a dirigé une équipe^rdplace finish dans le concours Game Changer à l'Université du Manitoba, pour la conception d'une application d'autonomisation de la santé basée sur des stratégies autochtones et des idées de mieux-être. Son travail explore les idées de continuité identitaire et de guérison performative.

Kristin Flattery
Boozoo, je m'appelle Kristin Flattery et mon nom d'esprit est Blue Buffalo Woman. Vivant actuellement à Winnipeg, au Manitoba, avec une communauté d'origine de la Première Nation de Long Plain. Je suis une artiste anishinaabe et dakota de la Première nation de Long Plain fortement impliquée dans les questions autochtones. En tant que mère de deux jeunes garçons et étudiante profondément concernée par la relève, j'utilise mon art comme méthode pour soulever des questions sur des inexactitudes historiques et trompeuses. S'inspirant des problèmes des femmes autochtones disparues et assassinées, de la politique foncière et de l'eau, y compris le pipeline de pierre clé, l'exploitation minière et la fracturation hydraulique, les traités, ainsi que l'exploration des formations multiculturelles, de la crise d'identité et de la perte personnelle. J'utilise la peinture, l'installation, la photographie et l'art de la performance dans mon travail.

Inspiré par les qualités picturales de Daphne Odjig, Lawrence Paul, Ted Harrison et les capacités performatives de Praba Pilar, Wanda Luna, Rebecca Belmore, Margo Kane et Adrian Piper.

Je suis une femme d'ascendance mixte, mon père est irlandais et belge et ma mère est Anshinaabe et Dakota. Je suis une femme autochtone qui marche dans la peau blanche. En grandissant, j'aimais toute l'histoire et la culture du côté de mon père, mais j'avais envie de ressembler à ma mère et à ma sœur. Je frottais du sable sur ma peau pour qu'elle devienne plus foncée, ce qui a plus tard produit de la poudre bronzante et diverses formes de maquillage en vieillissant.

Je commence mon année avec distinction à l'École des beaux-arts de l'Université du Manitoba. Lauréate de l'année dernière de la bourse commémorative George Swinton, un prix pour les artistes autochtones de l'UdeM avec de bonnes notes. Je siège sur deux comités d'étudiants avec trois postes, y compris un rôle de direction et lauréate actuelle du Prix du leader émergent.

Lita Fontaine est un artiste interdisciplinaire basé à Winnipeg, au Manitoba. Souvent, son travail explore le rôle des femmes dans la société autochtone traditionnelle et contemporaine. Elle se décrit comme triculturelle: Lakota, Anishinaabe et Métis. Fontaine a obtenu son baccalauréat en beaux-arts de l'École d'art de l'Université du Manitoba en 2000 et sa maîtrise en beaux-arts de ce qui est maintenant l'Université des Premières Nations du Canada à Regina en 2005.

Fontaine a eu des expositions personnelles à la Winnipeg Art Gallery en 2001, Urban Shaman Gallery en 2013 et 2006. En 2015, son travail était dans l'exposition We Are On Treaty Land de la Winnipeg At Gallery. Depuis 2002, Fontaine est artiste en résidence pour la division scolaire Seven Oaks où elle intègre des expériences artistiques dans le programme et la vie des élèves. Fontaine a été mentor dans le cadre du programme consultatif de la Fondation de mentorat d'artistes pour l'art féminin en 2009.

Julia-Anne Leach est un artiste multidisciplinaire de Winnipeg, au Manitoba. Sa pratique étudie la vie et l'histoire de la maison de sa mère, la nation Dakota de Sioux Valley. Sa fascination pour la psychogéographie se manifeste dans sa pièce récente, Desire Lines, une dérive spécifique au site dans laquelle elle suit une meute de chiens sauvages alors qu'ils errent aux abords de la réserve. Elle travaille actuellement avec un membre de la communauté, recueillant et enregistrant des histoires traditionnelles et personnelles concernant la vie dans la réserve. Julia est également membre de The Long Weekend - un collectif d'artistes, de cinéastes et de designers de Winnipeg qui travaillent sous l'égide de la pratique Collage Party de Paul Butler. Elle a obtenu son baccalauréat spécialisé de l'Université du Manitoba en juin 2016.

Jillian McDonald est un artiste canadien qui vit à Brooklyn et rêve du Nord. Elle a eu des expositions individuelles à la Fondation Esker à Calgary, à Air Circulation à New York, à la Rosenthal Gallery à San Francisco, au Centre Clark à Montréal et à Hallwalls à Buffalo. Les expositions de groupe et les festivals incluent le Chelsea Museum et le Whitney Museum's Artport à New York, la Edith Russ Haus for Media Art in Germany, la Biennale internationale d'art contemporain au Venezuela, le Sundance Film Festival dans l'Utah, La Biennale de Montréal et la Centre d'Art Contemporain de Basse Normandie en France. McDonald a été présenté dans un documentaire radiophonique de 2013 de Paul Kennedy sur IDEAS de CBC, intitulé Valley of the Deer, et évalué dans le New York Times, Art Papers, The Globe and Mail, The Toronto Star, Border Crossings et Canadian Art. Une discussion critique apparaît dans plusieurs livres dont The Transatlantic Zombie (2015) de Sarah Juliet Lauro et Deconstructing Brad Pitt (2014) édité par Christopher Schaberg. Ses subventions et commandes comprennent la New York Foundation for the Arts, le Conseil des arts du Canada, Turbulence, la Verizon Foundation, le New York State Council on the Arts, le Experimental Television Center et la Pace University. En 2012, elle a reçu le Glenfiddich Canadian Art Prize et a participé à des résidences telles que The Headlands Center for the Arts en Californie, Lilith Performance Studio en Suède, The Lower Manhattan Cultural Council's Workspace à New York et Banff Center for the Arts en Alberta. En 2016, elle est en résidence au Process Space du Lower Manhattan Cultural Council sur Governor's Island, NY et au KIAC à Dawson City, Yukon.

Fallon Simard jes un artiste et chercheur anishinaabe de la Première nation de Couchiching dans le territoire du Traité no 3 dans la région du nord-ouest de l'Ontario. Leur travail examine les histoires et les injustices autochtones dans le contexte de la violence infligée par l'État canadien. Le travail de Fallon est créé à partir d'un cadre féministe autochtone queer qui vise à induire un sentiment de justice reproductive dans la salle de classe et leur pratique artistique. Fallon est un artiste multimédia qui travaille dans les médias numériques et les médias corporels. Numériquement, la pratique de Fallon utilise les modes de la vidéo, du son et de l'animation. Corps, le travail de Fallon comprend, le corps et la performance oratoire, le dessin et la génération de sons.

Actuellement, Fallon explore le son, la performance oratoire, les matériaux textuels au croisement de l'histoire anishinaabe et de l'épistémologie cosmologique. Le travail de Fallon se concentrera sur les divinités du cosmos anishinaabe et sur la façon dont elles peuvent être utilisées et insurgées dans le mouvement de justice de l'eau. Aussi, pour affirmer que l'iconographie du Mishibizhew (une divinité de l'eau anishinaabe) peut aider au démantèlement du pipeline Énergie Est qui propose actuellement de traverser le territoire anishinaabe à travers le Canada.

Emilie Saint-Hilaire est un artiste interdisciplinaire et actuellement étudiant au doctorat en sciences humaines à l'Université Concordia à Montréal, Canada. Originaire de la communauté francophonique de Saint-Boniface, à Winnipeg, au Manitoba, Emilie a fréquenté l'École d'art de l'Université du Manitoba pour son BFA avec distinction et en 2014, elle a terminé sa maîtrise en beaux-arts en dessin et en intermédia à l'Université de l'Alberta. par son expérience de travail dans des laboratoires photo d'une heure et divers autres emplois, ses voyages nationaux et internationaux qui comprenaient quatre ans aux îles Caïmans et de nombreux mois aux États-Unis, en Asie et dans plusieurs provinces canadiennes, et une fascination générale pour l'essor de la technologie numérique comme outil d'expression et de communication personnelle. Emilie a exposé son travail dans des galeries et des festivals tels que: Harcourt House (Edmonton), Latitude 53 (Edmonton), DC3 Art Projects (Edmonton), The Toronto Urban Film Festival (Toronto), Ace Art (Winnipeg), Ryerson Image Centre (Toronto) ) et a reçu des subventions et des prix d'organisations telles que le Conseil des Arts du Canada, l'Alberta Foundation for the Arts et l'Edmonton Arts Council. Elle a participé à des résidences d'artistes au Plug In Institute of Contemporary Art (Winnipeg), au Banff Centre (Banff), au centre d'art CAMAC (Marnay-sur-Seine, France) et en 2015, Emilie était l'une des deux artistes choisies d'Amérique du Nord. pour assister au village d'artistes international de la plateforme d'art contemporain WARP à la Triennale de Bruges (Bruges, Belgique).

Phoenix Thomas
Je suis Ojibwe, membre des Premières nations de la réserve des Premières nations de Walpole Island, et je suis né à moitié autochtone d'un père de ladite communauté et d'une mère originaire de la Nouvelle-Écosse. Étant un demi-indigène, qui semble caucasien, je suis né et a grandi dans la réserve, mais je me suis souvent senti éloigné et incapable de vraiment m'intégrer dans ma propre communauté natale et je ne pourrais passer pour blanc que si je réprimais mon héritage autochtone. J'ai basé la création et l'inspiration de mon travail sur ce binaire consistant à essayer de trouver où je me situe dans le spectre des semi-indigènes. En utilisant des moments de ma vie où ces deux identités se sont opposées ou se sont jouées, je crée des installations picturales, qui interrogent la race, l'identité et les questions autochtones. Par l'utilisation de l'anecdote, de l'analogie et de l'aphorisme, je raconte des histoires dans l'espace, qui combinent texte et peinture, qui voient à raconter au spectateur une perspective unique à moitié indigène, en essayant de s'intégrer et de se réidentifier à un héritage marginalisé. par la société majoritaire.